關渡美術館部落格 | KdMoFa Blog

12/13李義弘工作室參訪照

2010-12-14T15:16:00.002+08:00

日期：2010年12月13日
時間：下午12：30-下午17：00
地點：李義弘老師工作室

11/13、11/14漂流木親子DIY創作工作坊，相約在東勢!

2010-11-05T11:41:00.000+08:00

漂流木親子DIY創作工作坊—活動簡章

國立臺北藝術大學關渡美術館11月份於東勢林業藝術園區(台中縣東勢鎮東關路647號)舉辦「2010大雪山國際漂流木藝術節」，配合現場藝術家創作工作營特別推出漂流木親子DIY創作工作坊系列活動，本活動秉持綠色的環保再利用概念，以藝術家創作所餘的木塊及木片為創作材料，發揮個人想像力，運用巧思化腐朽為神奇，希望透過鄰里社區居民的實際參與過程，體驗藝術融入日常生活所帶來的無窮樂趣。

【工作坊 I】拼貼巧風鈴

時間: 2010年11月13日(六) 上午9:00-11:00、2010年11月14日(日) 上午8:00-10:00

地點:東勢林業藝術園區(台中縣東勢鎮東關路647號)

小小的木塊有各種形狀、顏色和肌理，它們都是木雕大師創作美麗的藝術品所餘下的材料，可別小看這些小木塊喔！只要發揮一點想像力，稍加彩繪和拼貼，小小木塊立刻變身可愛的風鈴和擺飾品，還會散發芬芳的木頭芬多精哦！

【工作坊 II】創意木家具

時間: 2010年11月13日(六) 下午13:30-15:30、2010年11月14日(日) 下午13:30-15:30

地點:東勢林業藝術園區(台中縣東勢鎮東關路647號)

看膩了系統家具和制式桌椅嗎?想不想自己動手做個可以當木馬騎的椅子、五支腳的桌子或者是花架也是茶几的創意家具?快來東勢林業藝術園區試試看，利用漂流木和木雕大師創作餘下的木材，創作一件獨一無二的個性化家具吧！

報名辦法：請下載活動報名表，將填好的報名表E-MAIL至 sssss4@hotmail.com 或傳真到02-2893-8870 張先生。

5/28關渡美術館後青春開幕花絮

2010-06-11T17:16:00.001+08:00

開幕時間：5月28日，下午5：00
地點：關渡美術館 201展場
展覽日期：5月28日（五）-8月8日（日）

關渡美術館徵聘專職日間工讀生一名

2010-03-25T11:03:00.002+08:00

徵才

國立臺北藝術大學關渡美術館

徵聘專職日間工讀生一名

一、職稱：專職工讀生

二、工作項目
1.電話接聽、公文收發及文具、紙張管理
2.辦公室清潔維護及來訪貴賓茶水準備
3.展覽文宣張貼與郵寄
4.館長行程登錄與提醒
5.電腦故障排除及周邊軟體、耗材管理
6.其他臨時交辦事項

三、公告日期：自即日起至99年4月8日止

四、聘用期間：
自99年4月16日起至99年12月31日止(依績效考核評定是否續聘)

五、工作待遇：
月薪17,280元(享勞保、健保、年終獎金)

六、資格條件：
1.具高中以上學歷或大專以上在學夜校生
2.具電腦及網頁基本維護能力，並熟悉電腦文書處理
3.自備交通工具(機車)者尤佳

七、上班時間：星期一至星期五上午8時10分~下午5時

八、其他：
1.加班：加班採補休制度，無加班費。
2.特別休假：依勞基法規定日數辦理，惟須於寒暑假排定1/2之特別休假，餘1/2特休日數則依本校差假規定辦理，不支給未休假日數之工資。
3.試用期：試用期3個月，試用期滿依績效考核評定是否續聘。

九、應徵方式
應徵者請檢附個人履歷及學歷證明文件影本，並於99年4月8日前送（寄）達本校關渡美術館，信封上請註明「應徵工讀生」

十、聯絡方式
1. 聯絡人：陳能達先生，電話：（02）2896-1000分機2442
e-mail：wilson@kdmofa.tnua.edu.tw
2. 地址：112台北市北投區學園路1號國立臺北藝術大學關渡美術館

十一、備註：
本案為定期契約。除正取一名外，得增列候補二名，後補期限為三個月，自甄選結果確定之翌日起算。

2010 POWER SHOW OPEN SUBMISSION/ 2010 申請展徵件

2010-03-24T13:06:00.002+08:00

2010 POWER SHOW

再次出動!!
關渡美術館自2006年施行「申請展POWER SHOW徵件」以來，POWER SHOW成為一個象徵性指標，具潛力的年輕藝術家在經過POWER SHOW的洗禮後，無不成長茁壯並受到注目。隨著世代的變動，群體出擊的現象在這幾年的徵件扮演吸睛的態勢，像是年輕族群的前哨站，我們在這個群體的出擊中嗅到一絲的游戰意味，大家相互觀看，並游走四方。在這宣告意味濃厚的舞台上，誰都可以是下一個劃時代的指標，誰都可以是下一個談論的焦點。
即日起至五月十五日止，關渡美術館再次開啟機會大門，迎接你的古怪奇想或精密構想，歡迎踴躍投件！

下載:
1. 2010 申請展徵件辦法及表格
2. 1 樓申請空間平面圖

徵件洽詢:
關渡美術館展覽組何明桂
02-28961000轉2412

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2010 POWER SHOW
IS
COMING
AGAIN!

“POWER SHOW open submission” activated since year 2006 by the Kuandu Museum of Fine Arts is becoming a symbol to the Taiwanese young artists. Artists who have been selected and exhibited in POWER SHOW series are mostly realizing their anticipation in their art practice and at the same time gaining attentions from the art community. With the change of generation, Group shows recently have been taking big part of the applications and made a good attraction and raised discussion as they are the symbolic activities. It becomes a strong announcement from the youth. Everyone could be the next one on this stage to grow the forum and everyone could be the next focus.
From now on until May 15, Kuandu Museum of Fine Arts is opening its opportunity for all to show your spectacular idea and delicate thoughts. Welcome to give it a try and you will be the next!

Download:
1. 2010 POWER SHOW-APPLICATION. doc
2. MAP of 1F gallery.

POWER SHOW - Application Inquiry:
KDMoFA Exhibition Dept : HO,MING-KUEI
02-28961000EXT2412

徵聘教學卓越計畫專任助理一名

2009-11-26T14:33:00.002+08:00

徵才

國立臺北藝術大學關渡美術館
徵聘教學卓越計畫專任助理一名

一、職稱：教學卓越計畫專案助理

二、工作項目
1. 教學卓越計畫執行及報告撰寫
2. 媒體宣傳及公共關係
3. 網站內容維護及網路媒體宣傳
4. 辦理國際藝術交流活動
5. 辦理教育推廣活動
6. 專案企畫撰寫及執行
7. 其他行政業務及臨時交辦事項

三、公告日期：自即日起至98年12月10日止

四、聘用期間：自99年1月1日起至99年12月31日止(依績效考核評定是否續聘)

五、工作待遇：月薪30,600元(依本校教學卓越計畫規定核支，享勞保、健保、年終獎金)

六、資格條件
1. 大學畢業，美術或藝術相關科系，具一年以上工作經驗
2. 大學畢業，非美術或藝術相關科系，具一年以上藝術行政工作經驗
3. 具媒體宣傳、公關、藝術行銷、專案企畫實際工作經驗
4. 具英語說寫能力
5. 熟悉電腦文書及影像處理，能處理網站維護工作

七、上班時間：依本校相關規定辦理並需配合假日輪值。

八、其他：
1.加班：加班採補休制度，無加班費。
2.特別休假：依勞基法規定日數辦理，惟須於寒暑假排定1/2之特別休假，餘1/2特休日數
則依本校差假規定辦理，不支給未休假日數之工資。
3.試用期：試用期3個月，試用期滿依績效考核評定是否續聘。

九、應徵方式
應徵者請檢附下列資料，並於98年12月10日前送（寄）達本校關渡美術館，信封上請註
明「應徵專任助理」
1.最高學歷證明文件影本
2.個人履歷及相關工作實務經歷佐證資料
※未檢附上述資料或資料不齊全者，不予通知面試；如資格不符或未獲錄取時，恕不另行
通知，亦不退件。

十、聯絡方式
1. 聯絡人：陳能達先生，電話：（02）2896-1000分機2442
e-mail：wilson@kdmofa.tnua.edu.tw
2. 地址：112台北市北投區學園路1號國立臺北藝術大學關渡美術館

十一、備註：本案為定期契約。除正取一名外，得增列候補二名，後補期限為三個月，
自甄選結果確定之翌日起算。

關渡美術館藝術創作工作營-《模擬》計畫－駐地創作的多種可能性

2009-10-30T18:17:00.002+08:00

《模擬》計畫－駐地創作的多種可能性

國立臺北藝術大學關渡美術館藝術創作工作營

計劃說明：

國立臺北藝術大學關渡美術館兩位駐校藝術家：王德瑜以及黃盟欽將於2010年1月15日-3月28日於關渡美術館舉辦個展，因應此次展出，兩位藝術家提出『《模擬》計畫－駐地創作的多種可能性』藝術創作工作營，將針對「駐地創作」這個主題作經驗分享以及草圖或模型實作與討論課程，並公開徵求有意願參與工作營的校內、外藝術創作相關科系學生約10名共同進行此項計畫，希望提供參與的學員一個模擬的真實經驗–如何由無到有駐地藝術創作。

工作坊時間：11/16(一) ~ 11/20(五)

12/14(一) ~ 12/18(五)

1:30PM.~ 4:00PM.

地點：國立台北藝術大學關渡美術館三樓多功能室

活動聯絡人：張先生 28961000轉2432

活動網址：http://kdmofa.tnua.edu.tw/

日期	內容	講師	備註
2009/11/16	駐地創作經驗分享I —異地異文化V.S生活與創作	陳浚豪藝術家/策展人
2009/11/17	駐地創作經驗分享II —流浪藝世界的藝術旅人	黃盟欽藝術家/2007台北藝術大學流浪者計畫得獎者
2009/11/18	駐地創作經驗分享III —兩個實戰經驗分享	王德瑜藝術家/美術老師
2009/11/19	草圖與《模擬》計畫	王品驊(暫定) 策展人/藝術評論者
2009/11/20	場地勘察與計畫發想綜合討論訂定工作時程表	王德瑜黃盟欽
2009/12/14 ｜ 2009/12/18	現場實作課程	王德瑜黃盟欽

下載報名簡章

2010駐館藝術家即日起開始徵件/2010Artist In Resident Program-Open Submission NOW！

2009-10-22T16:42:00.004+08:00

繼"尋找李明"."丸山花店"."服步太郎的立體創作"之後你是否渴望成為下一個在關渡美術館發表交流的駐館藝術家?歡迎投件大膽告訴我們妳/你的駐館計劃!

After knowing "Looking For Lee Ming", "Maruyama Florist" and Hattori Taro's sculpture works,do you desire to be the next resident artist at KdMoFA? Here is your chance to tell us your spectacular plan and win this great opportunity!

下載報名表格
Download the Application

2009-08-12T16:56:00.003+08:00

侯淑姿個展～望向彼方-亞洲新娘之歌(三)

論壇題綱

座談會：2009.8.15(六) 2:00PM-4:00PM

主持人：黃孫權(破報總編輯╱高雄師範大學跨領域藝術研究所專任助理教授)

與談人：侯淑姿(藝術家╱高雄大學傳統工藝與創意設計學系講師)

邱琡雯(南華大學亞太研究所副教授)

李俊賢(藝術家╱高苑科技大學建築系副教授)

黃建宏(國立台北藝術大學美術系專任助理教授)

題綱：

一、 藝術與行動的距離，以及藝術行動在社會中的意義與可能性(展覽形式或說行動形式)。

1. 藝術家參予社會是一種很高的理想性作為，長期而大量的參與更可能有使命感為驅力，藝術家之想法與態度為何？

2. 藝術家/研究者<社會參與的極限: 可能與不能>。

3. 藝術家以開放的心胸、敏感的態度參予社會，在互動之後往往可以回饋到創作本身，藝術家之經驗為何？

4. 說明文字圖版與當代藝術展覽三種不同介面對於"藝術介入社會"的意義。

5. 以「攝影」為媒介參與社會，藝術家之「身分」主張是否為必要。

二、 性別經濟的必要性與合法化在台灣社會的政治與文化面向上生產出何種意義?

1. "台灣女人"在新娘照或已婚女人相片中的"角色" 她們又如何被呈現？

2. 新移民女性角色的<再現瓶頸>

3. 外籍新娘在台灣是潛藏而牽涉廣泛複雜的議題，因其議題能量頗大，藝術家如何超越議題層面，表達藝術家之觀點？

4. 從"外省", "世界公民"到"外籍"的指稱(衍生問題:為何學者與藝術家都卻步於介入社會文化議題?是媒體弱視的問題? 還是社會文化特質的問題?)

5. "本土"在政治與文化論述中失去其政治正確之後, 成為一種"不被討論"的習癖, 是否造成了今天以他者形象的不斷強化來迴避自身主體性的批判

覓金山鴻爪鄭森池個展

2009-07-08T10:19:00.009+08:00

覓金山鴻爪鄭森池攝影個展

Walking The Grade
Shen-Chih Cheng Photo Exhibition

地點:國立台北藝術大學關渡美術館 1 1/2F展覽室
展覽日期:2009/07/15-09/20
展覽開幕: 2009/07/15/(三)5:00PM
藝術開講:2009/07/15(三)3:00PM

鄭森池先生為70年代帶動台灣現代攝影潮流的「V-10視覺藝術群」（Group Visual-10）成員之一,曾經在一九七六年與胡永、謝春德、李啟華共同主編結合寫實攝影與現代觀念,頗具開創性卻短命的「現代攝影」雙月刊(共出版四期),目前居住在美國洛杉磯。

此次受邀至國立臺北藝術大學關渡美術館駐館創作為期兩週(自7月6日至7月17日),將帶來一系列以探尋一八四九年到一八八二華工在金山,即美國加州,上山下海淘金開礦,甚至參與工程艱鉅史無前例的中太平洋鐵路構築所留下具民族特色例如廟、工寮、中藥舖、雜貨店甚至乱葬崗、賭塲、妓院等遺蹟的攝影創作。

鄭森池先生自2005年起結合攝影與歷史，尋覓這些先民在金山所遺鴻爪,在三年間長途拔涉九回,完成全長六百九十英哩中太平洋鐵路的行程,並以傳統的大型相機和銀盬黒白底片,自己操作暗房,儘可能以史詩的形式來表現這段百年的華工血淚史。

此次駐館期間鄭森池先生除了展出上述鐵路部分的攝影創作之外並將於7月15日舉辦座談會分享個人的創作歷程與創作理念。

*圖: 佈門隘口(Bloomer Cut)東向,鐵路工程初期面臨的挑戰,八百餘呎長,六十三呎高, 近四十名葡萄牙和愛爾蘭移民的白種工人以手工和黒火藥施工.一八六四年二月動工,一八六五年四月始完工,因此決定大量引進華工.且前鐵路仍在使用.此處有一紀念華工的紀念碑

關渡美術館年度申請展審查會議因故延後

2009-07-01T15:07:00.000+08:00

關渡美術館年度申請展審查會議因故延後，審議結果將順延至7月10日公佈。謝謝!

Due to scheduling conflicts, the committee meeting of “Power Show 2009” has been postponed.

The result of selection will be released on July 10. Thank you!

李暉作品被理性釋放的靈魂手術工具的數量

2009-06-17T12:08:00.004+08:00

維度之間---李暉個展 Between Dimensions- Li Hui Solo Exhibition

2009-06-15T15:26:00.005+08:00

展覽時間：2009/ 6/12-7/19
展覽地點：關渡美術館4F展覽室
開幕茶會：2009/ 6/12/17:00 PM

1977年出生於中國北京，2003年畢業於中央美術學院的李暉，以精密的層疊壓克力雕塑、空間性的激光雷射在中國新媒體藝術裡展現了中國新世代的獨特性與開拓性。相較於中國當代藝術中佔絕大比例的主流架上繪畫形式，更顯這位七○後青年藝術家的重要性與前衛性。

本次在關渡美術館的李暉個展由索卡藝術中心所籌辦，李暉將以雷射激光裝置來重新詮釋關美館的空間，作品《被理性釋放的靈魂》將運用鐳射、煙霧、醫用紗布、醫療設備等在裝置藝術中不常規的材料來組合、再塑、創造出一種充滿變化、迷幻、神秘，甚至宗教式的視覺效果的手術現場。期待觀眾能在這無中生有的煙霧中，體會這不可言說、卻又充滿想像的空間知覺。

去年上海藝術博覽會上，李暉以作品<琥珀>展現上海F1賽車與當代藝術結合的另一種精確性，在本展中，另一件作品<橋>，同樣是李暉以精密的透明壓克力層板的切割技術，形構出深具內涵與反思意義的空間性立體作品，李暉說到「在我的觀念裏，如果世界上沒有戰爭那這些武器都將成為廢物，那時就可以把武器改裝成建築、橋樑、路標等公共設施。」李暉對材質的運用皆別具巧思，如用壓克力與LED燈做為創作材質的雕塑作品，構思出他的概念性裝置作品。這兩種材料具備同一種特性：視覺上的透明度。壓克力本身可以形成不同的空間；LED燈則可以將空間轉變成為一層一層的視覺深度，營造出雕塑作品神秘難測的氛圍，表達與速度及生命變遷相關的主題。

當材質性過於強烈時，藝術家往往更須謹慎在創作背後所堅持的思想核心為何?在李暉的過程中，作品材質上從不鏽鋼、壓克力，到雷射及LED燈等，李暉皆淋漓盡致地、精準地發揮這些西方工業材質的特性與美感價值，一次又一次營造出一個如夢似真的夢幻世界，但重要的是，在李暉創作的核心價值仍能保有極具東方思惟的反思空間，並誠如李暉所說「回顧我的學習生涯，我認為，我們接受的是西方的技巧訓練，但就內容、甚或骨子裡，我們仍跳脫不開東方傳統。我要在我的作品裡呈現這樣的現象，而這正是今日存在於中國一種相當典型的現象」。

若創作本身也是實驗，李暉以獨特的創作形式，透過精密的藝術實驗，讓東方唯心思維與西方形式美學有了一場難得的當代際遇。歡迎您來關渡美術館，一同進入李暉夢工廠。

Li Hui was born in 1977 in the city of Beijing, and he graduated from the China Central Academy of Fine Arts in 2003. Li shows the uniqueness and new boundaries of the new age of Chinese New Media art in his sculptures made of precisely-cut acrylic and artworks created from spatial lasers. Chinese contemporary art is centered around paintings and portraits, thus Li, as a young artist born in the 1970’s, is of great importance to the Chinese art world, and his works are considered very avant-garde.

The Li Hui personal exhibition at the Kuangdu Museum of Fine Arts is organized by the Soka Art Center. Li uses laser installations to reinterpret the exhibitions space in the Kuangdu Museum of Fine Arts. The work “The Soul Released by Rationality” uses lasers, smoke, gauze, medical equipment and other materials not commonly seen in artworks to construct and create a surgical operation scene full of changing, fantastic, mysterious and religious visual effects. Li hopes that viewers can understand the spatial sensation that is indescribable yet full of imagination in this fabricated smoke.

In the work “Amber”, which was on exhibition at the Shanghai Art Exhibition last year, Li Hui showed the precise integration of Shanghai F1 races with contemporary art. In the work “Bridge” which will be shown at the Kuangdu exhibit, Li uses his skills in forging stainless steel and cutting with a fruit knife to create a spatial three-dimensional work that has deep connotative and introspective meanings. Li Hui says that “In my opinion, if there are no wars, all weapons will become useless, and then we can use weapons to construct buildings, bridges, road signs and other public infrastructure.” Li uses materials in unique ways, and an example is the way

in which he uses LED lights and acrylic planks to create his sculptures and conceptual installations. These two materials have a common trait: they are both transparent. Acrylic can be molded into different shapes, and LED lights can transform space into layers of visual depth to create an aura of mystique around the sculpture and express themes related to speed and the changes in life.

When the materials in artworks start to become more unique and eye-catching, artists need to put more emphasis on the core ideals behind the work. In his works, Li Hui is able to precisely and fully bring out the aesthetics and traits of Western industrial materials such as stainless steel, acrylic, lasers and LED lights and create many times a fantasy world that is dreamlike and almost real. But more importantly, Li is able to retain an Eastern style introspective space in the core values of his works. Li said that “Looking back at my artistic life, I believe that we Chinese artists receive Western art training, but the content of our works and our spirits are still rooted in traditional Chinese culture. I want to portray this phenomenon in my works, because this is a classic phenomenon that exists in China today.”

If art creation is an experiment in itself, Li Hui has used his unique creativity and createed a precise art experiment that integrates Eastern idealism and Western-style aesthetics. We welcome you to the Kuangdu Museum of Fine Arts and enter Li Hui’s dream factory.

日本駐館藝術家丸山純子---藝術開講

2009-06-04T12:22:00.008+08:00

2009 I 駐館藝術家 I 駐館計劃 I Artist -In -Residence Program I 卓越計劃 I A.R.T.S

日本籍駐館藝術家丸山純子在關注自然的循環再生想像上，一直以不同的媒材發表其蘊含哲思的反省。並以日本特有的潔淨禪意，呈現她的美感於她的作品之中。此次運用台灣特有的兩項產物:「油炸到成暗黑色的廢油」以及「到處都有的塑膠袋」，丸山將如何透過她的巧手與運轉，讓兩種常被丟棄的人造產物，轉化為充滿生氣的活化物質，再度存現於你我的生活空間。她過往的思考經驗又是如何，歡迎一同來探尋討論。

演講時間:2009/06/10/ (三) 2PM
演講地點:1 1/2F 策展室

<展覽簡介>
“CanCam” 一直是日本少女流行雜誌的指標，源自於”Campus(校園)”的青春洋溢，延伸到流行文化，這次日本駐館藝術家丸山純子取用“CanCam”一詞，卻是試圖在校園生活中取樣，來自校園自助餐廳的廢油，在與流行文化的反差作用下，卻仍是呈現生生不息的模樣。透過丸山的裝置，這些看似無關，卻有著奇妙聯想的游移液體，恰好呼應著生活中的循環與演變。

“CanCam”, the fashion magazine icon in Japanese young girls’ culture, was formed from campus life to show infinite youth. Japanese artist Maruyama Junko, however, uses the word “CanCam” as a way to sample campus life. She employs used oil from the campus cafeteria as a contrast to fashion and to express an ongoing circulation through her installation.

展覽地點：關渡美術館1 1/2F展覽室+1F洗手間
Venue: Kuandu Museum of Fine Arts 1 1/2F Gallery + 1F disabled bathroom
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「丸山花店」是一個再生利用的計劃，以期能從相互矛盾的元素裡像是「生態學」、「經濟學」以及「藝術」連結人與事物。日本藝術家丸山純子運用日常生活中隨手可得的各色塑膠袋，將之分解、再塑、組合成繽紛的塑膠花朵。重複著如此繁複的手工，將一個平凡無奇的人為日常物轉化為自然產物的再現。她試圖製造與自然真花之間的美麗競比，並喚醒人們對自然的循環省思。歡迎光臨「丸山花店」，請為自己選一朵充滿哲思的花，妝點自己的家吧!

"Maruyama Florist” is a project that to make a new circulation from transforming the used objects. Japanese artist Maruyama Junko hopes to connect people and things from the conflicting elements such as “ecology”, “economy”, and “art”.Maruyama de-constructs various kinds of plastic bags from daily life to reconstruct and compose into colorful flowers. By the repetition of complicated handcrafting of the flowers, she transforms these artificial objects from ordinary usage into a reproduction of nature. She also attempts to create a competition between real flowers and plastic flowers and to evoke thoughts of the circulation of nature.Welcome to the “Maruyama Florist”. Pick one profound flower to decorate your resort home!

「丸山花店」地點：國立臺北藝術大學「北藝風」概念店
“Maruyama Florist” Venue: TNUA “KD ARTS GALLERY SHOP”

實習生李昭慶終於畢業了！！

2009-06-02T18:08:00.003+08:00

關渡美術館∣駐館藝術家各展丸山純子/ MARUYAMA JUNKO

2009-06-01T18:10:00.009+08:00

關渡美術館∣駐館藝術家 2009∣Artist-In-Residence Program ∣卓越計畫 A.R.T.S

展覽時間：2009/06/05-06/21
展覽地點：關渡美術館1 1/2 F展覽室、「北藝風」概念店
開幕茶會：2009/06/05 3:00 PM

“CanCam” 一直是日本少女流行雜誌的指標，源自於”Campus(校園)”的青春洋溢，延伸到流行文化，這次日本駐館藝術家丸山純子取用“CanCam”一詞，卻是試圖在校園生活中取樣，來自校園自助餐廳的廢油，在與流行文化的反差作用下，卻仍是呈現生生不息的模樣。透過丸山的裝置，這些看似無關，卻有著奇妙聯想的游移液體，恰好呼應著生活中的循環與演變。

“CanCam”, the fashion magazine icon in Japanese young girls’ culture, was formed from campus life to show infinite youth. Japanese artist Maruyama Junko, however, uses the word “CanCam” as a way to sample campus life. She employs used oil from the campus cafeteria as a contrast to fashion and to express an ongoing circulation through her installation.

展覽地點：關渡美術館1 1/2F展覽室+1F洗手間
Venue: Kuandu Museum of Fine Arts 1 1/2F Gallery + 1F disabled bathroom

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「丸山花店」是一個再生利用的計劃，以期能從相互矛盾的元素裡像是「生態學」、「經濟學」以及「藝術」連結人與事物。日本藝術家丸山純子運用日常生活中隨手可得的各色塑膠袋，將之分解、再塑、組合成繽紛的塑膠花朵。重複著如此繁複的手工，將一個平凡無奇的人為日常物轉化為自然產物的再現。她試圖製造與自然真花之間的美麗競比，並喚醒人們對自然的循環省思。歡迎光臨「丸山花店」，請為自己選一朵充滿哲思的花，妝點自己的家吧!

“Maruyama Florist” is a project that to make a new circulation from transforming the used objects. Japanese artist Maruyama Junko hopes to connect people and things from the conflicting elements such as “ecology”, “economy”, and “art”.
Maruyama de-constructs various kinds of plastic bags from daily life to reconstruct and compose into colorful flowers. By the repetition of complicated handcrafting of the flowers, she transforms these artificial objects from ordinary usage into a reproduction of nature. She also attempts to create a competition between real flowers and plastic flowers and to evoke thoughts of the circulation of nature.Welcome to the “Maruyama Florist”. Pick one profound flower to decorate your resort home!

「丸山花店」地點：國立臺北藝術大學「北藝風」概念店
“Maruyama Florist” Venue: TNUA “KD ARTS GALLERY SHOP”

LOOKING FOR LEE MING 尋找李明

2009-05-15T21:13:00.004+08:00

關渡美術館∣駐館藝術家 2009∣Artist-In-Residence Program

展覽時間：2009/ 5/15-5/31
展覽地點：關渡美術館1 1/2 F展覽室
開幕茶會：2009/ 5/15/15:00 PM

在2008年夏天裡一位名叫李明（音譯Lee Ming）的人，自台北寄了一封電子郵件給Seth Lower。沒有更近一步的介紹，她(他)說她(他)認識他甚至在夢中看過他未出生前的樣子。自然地，他感覺這是個奇怪、令人不由驚嚇的訊息。她(他)描述她(他)的夢，也就是在她(他)的人生裡重複出現了好幾次，就像是那種發燒會做的夢，總是給予她(他)一種悲傷的奇妙感受。在夢裡，一個蒼白帶著斗篷的形體拯救了她(他)的性命，但也犧牲了自己。在形體倒向她(他)的懷中後，他在她(他)的手掌上用血寫下了他的名字。而那正是Seth Lower的名字。在這之後她(他)是怎麼找到他，她(他)並沒有說，只說她(他)在網路上看見Seth的影像便立即地認出了他。這是她(他)所說的全部，儘管Seth怎麼回覆她(他)，她(他)自後再也沒寄給他任何東西。

Seth Lower的企劃以這封電子郵件作為在台北多媒體調查計畫的一個起始點，在與關渡美術館與北藝大成員合作之下，他將重建李明的夢之錄像。他也將於關渡美術館展現其在台北尋找李明的調查過程。

During the summer of 2008 Seth Lower received a strange message from someone in Taipei named Lee Ming. With no further introduction, she (or he) told him that s/he knew who he was and that s/he had met him in a dream before he was ever born. S/he described the dream, which had recurred numerous times throughout her/his life, as something like a fever dream, always giving her/him a strange feeling of sadness. In the dream, a cloaked figure saved her/his life from a band of murderers, but only at the expense of his life. As he lay dying in her/his arms, he wrote his name in blood on the palm of her/his hand. It was Seth’s name. How s/he found him after this s/he didn’t say—only that s/he saw one of Seth’s images on the Internet and immediately recognized it. That was all s/he said, and despite subsequent replies, s/he never sent anything further.

Working with members of the KdMoFA and Taipei National University of the Arts community, Lower creates a video reconstruction of Lee Ming’s dream and searches for people in Taipei named Lee Ming, creating an investigative project in the process. From May 15, the Kuandu Museum of Fine Arts will present you Seth Lower’s latest conclusion to the search project.

展覽承辦人/Exhibition enquiry:何明桂/Ho Ming-Kuei聯絡電話/Contact tel:02-28961000ext2412

新聞聯繫人/Press contact:蔡佩穎/Tsai Pei-Ying聯絡電話/Contact tel:02-28961000ext2416

21世紀少年──遊牧座標展覽訊息

2009-04-12T12:52:00.003+08:00

國立臺北藝術大學關渡美術館2-5F

2009/4/10-5/24
開幕式:2009.04.10.(五 Fri.)5:00PM

丁昶文 Ting Chaong-Wen / 王璽安 Wang Sean / 江忠倫 Chiang Chung-Lun /
李欣芫 Li Hsin-Yuan / 周代焌 Chou Tai-Chun / 林峰毅 Lin Feng-Yi /
南里朋子 Tomoko Nanri / 高雅婷 Kao Ya-Ting / 許唐瑋 Hsu Tang-Wei /
陳怡潔 Agi Chen / 陳敬元 Chen Ching-Yuan / 黃琬玲 Huang wan-ling /
廖震平 Liao Zen-Ping / 蕭筑方 Shiao Chu-Fang /謝牧岐 Hsieh Mu-Chi /
鍾順達 Chung Shung-Ta
（按照姓氏筆劃）

一件事物的開端似乎總是讓人預期些什麼，彷彿一本空白的書冊，許多的空白等待書寫者填入內容。而每個時代的開頭，也似乎總有些讓人期盼的氣氛：今夕何夕，來日可期。而在這二十一世紀時間區分的開端，我們要以什麼樣的立場去看待這樣的問題，那麼屬於立場的問題，也就是對這個角色位置的討論。這個展覽，是由一群剛自二十一世紀完成學院高等教育過程的創作者發起討論而來的行為活動，它的開端是不那麼明確的，我們自我提問一群創作者展出除了能把作品排列出來，找出某些視覺觀念串連之外，還有沒有其他的展覽工作是可以提出的？而時間點正好是這個問題的某種解答，我們來試圖"看待這個世紀初"或許是這個展覽可以提供的意義以及對於藝術環境的另類回饋。 (文╱王璽安)

關渡美術館「POWER SHOWS」系列隆重推出第二波申請展，此次展出藝術家以南北藝術大學之傑出校友及在學生共同聯合製作「給藝術界的禮物」。透過各自的創作論說，形成各自發言與對話的拋接。面對21世紀，這群初出茅頭的年輕世代，將如何對世代現象的過去與未來作一完整銜接？在他們看似鬆散的座標對話裡又將傳達出什麼訊息? 關渡美術館邀請你一同進入他們的世界。

※展覽地點/國立臺北藝術大學關渡美術館1F展覽室 ※開放時間/10:00-17:00（週一休館） ※地址/臺北市112北投區學園路1號 ※Transportation/Take the MRT Danshui Line to the Kuandu Station (Exit No. 1), then take TNUA shuttle bus or Da-nan Bus Red 35 to the museum

新聞聯繫人：蔡佩穎
28961000#2416
zivatsai@gmail.com

21世紀少年──遊牧座標

21世紀少年──遊牧座標展覽論述──製作某種給藝術界的禮物

2009-04-11T23:53:00.007+08:00

文╱王璽安

一件事物的開端似乎總是讓人預期些什麼，彷彿一本空白的書冊，許多的空白等待書寫者填入內容。而每個時代的開頭，也似乎總有些讓人期盼的氣氛：今夕何夕，來日可期。而在這二十一世紀時間區分的開端，我們要以什麼樣的立場去看待這樣的問題，那麼屬於立場的問題，也就是對這個角色位置的討論。這個展覽，是由一群剛字二十一世紀完成學院高等教育過程的創作者發起討論而來的行為活動，它的開端是不那麼明確的，我們自我提問一群創作者展出除了能把作品排列出來，找出某些視覺觀念串連之外，還有沒有其他的展覽工作是可以提出的？而時間點正好是這個問題的某種解答，我們來試圖”看待這個世紀初 “或許是這個展覽可以提供的意義以及對於藝術環境的另類回饋。

從一種日常來自於社會行為的觀察，則是我們對於這個展覽可以提供的社會意義說明，比如，就社交禮儀上，我們遇到初次見面的人常會這樣問：“您是從事...“，這裡回答的答案，表示身分，詢問者會對答案有所知或否，這時候便有認同與否。再來，我們也常常在日常中會提到位置的問題，例如：”你住在哪裡？”或是“平常在哪上班或活動呢？“，而很普通的解讀上，這些地點也代表了某些意義，例如我們會說台北的公館是文教區，信義區是商業區，由是，在那些地方有ㄧ定時間停留目的的人，也就往往帶有些“身處位置帶來的看法“。那麼創作者呢？該怎麼描述他們在哪？一群創作者在這個二十一世紀時間的轉變上，同時也在身分上開始轉變。我們從高等教育的學生，漸次離開學院成了開始在外發展的創作者。這種角色的轉變恰巧在這樣時空下，我們意識到這是個世紀初，也是創作者的向外發聲開端，於是我們希望改變些做法，讓展出除了創作者身分的見證物─作品之外，同時也有ㄧ些關於身分自覺的活動。猶如前面提到這是個時代開端，同時帶有那麼些企盼的想法，於是我們想知道這個時間點“其實我們在哪？“

這個展出，針對上述，我們希望他是一種除了作品認同之外的行為活動。一般的習慣上來說，我們到了一個展場，尤其是許多創作者的聯合展出，這個展出可能會有個文學意義的主體，觀賞者可以針對展覽的主題對作品有所串連；再則，則是對每個作者的作品進行個別的鑑賞。這往往是藝術展覽的必要過程，也可以被視為一種傳統，而我們希望在這個過程當中有些活動能表達一個必要的意義。如同前段提到的問題，我們欲對環境有所提問之外，展覽的參與者，我們希望他的意義是可以擴大的。於是，這個展出必須除了作品的呈現之外，而有其他的做法。我們設定了這個展出同時是個活動，作品的呈現是個認同的標記，不能否認的，創作行為大抵上在現況來說，大抵還是ㄧ種以自我出發的表達，而我們希望這樣單一的個體（一個創作者）能有些確實能著力於展覽工作的部份有些看法以及做法。在展出前我們於是計畫邀約藝術界的人士，以一種開放性的姿態，去談談關於這個時代的ㄧ些問題，例如：對於這個時代的期望、這時代出來的創作者的態勢，以及對於這樣展出活動的想法等等。這是對於如同遊牧狀態的創作者，一種範圍的界定，而這是一種自然的界定，這些具有開放性的問題，我們也將其視為展覽的一部份。而對於參加的創作者，因為是自發的組成，也又許多不同於一般準備展覽的過程。每個獨立創作者的作品皆然有其獨自的意義，而作品是被動的接受解讀；相反地，創作者不僅展出作品將也是這個展覽作為”行為活動”的實踐。這個行為活動包含上述對藝術界人士的邀約，他們有教育、行政、評論、記者以及創作者等領域，其中有些人士是長期關注藝術環境的長輩，有些則是與這次展出創作者年紀相仿的工作者，與他們的接觸，也使得這個展覽我們自身必須直接面對身分的問題，我們變成了詢問者，不僅透過作品。

這個展出行為活動除了代表創作者的作品、以及活動，同時還有一個屬於連結參與藝術家的裝置性陳設（Installation Setting）計畫。我們會將這個展出所有的，每個參與創作者，在一個造型比例像是橋座的桌面佈置，上頭由創作者進行一種模擬，上頭每個創作者可以將之視為工作狀態的表達，或是抽象的一種模形式空間。這個計畫也會在展覽當中，集結這些橋座的桌面，這些桌面將會以一種連結成空間的狀態出現，形成一種雙重意義表現：既是一張桌子一樣的物體；又是一種橋接的狀態。同時，這個小計畫將是這個展出的一種集體成果。另外則將這個展覽的種種記錄成為一本書冊，裡頭將會有作品以及訪談等等的內容。而這個內容將是這個展出重要的一種留存，這個書冊形式的集結也意味著一種輪廓，是我們針對於這個展覽，它所欲對環境發聲的一種廓定。

以上提到關於這個展出的形式計有：代表藝術家標記的作品呈現，集體裝置性陳設，對藝術界相關人士的訪談等，這些行為活動就像是串連線段的節點，節點串連之後我們希望，能有一些輪廓出現對應於現行在地藝術環境的相關。展覽是一種機制，它的發起以及過程，取決於參與者如何進行，而這個〈二十一世紀少年─遊牧座標〉的展出，誠如上述，參與者決定與外界直接對話而暫時擱置作品的定義，作品對於這個展出來說是此文反覆提及的概念：作為這個展出與環境對話的節點之一─標記，作品是身分的直接表明。而行為活動可以是身分的見證以及對於這個問題的確切對話。作品可以呈現一種靜態的質地，這是一種靜默狀態，或是透過形式分析以及文學意義名題去給大家一種既公眾又獨特的品味意義；而活動以及確實的行動滲入展覽的工作，則是一種思惟向度（Dimension of Thoughts）的轉變，於是重點在於，我們希望一個展出空間可以在思惟上被引導擴展，代表創作者的作品是個如同誘餌的事物：這些參與的創作者因為有作品而成立其自身。而那些被容納進展覽工作的事物則是拓展這個思惟空間的路徑。這個思惟路徑透過此展覽的各種形式，我們希望它能直指於現在對於這個藝術環境空間的某些思考，它不是歷史線性研究、也不是差異的書寫那樣的事物，它可能是一種贈與的複合物體，由一小群人從自己的作品的身分開始，然後邀請更多一群人發表對於這個身分以及相關處境的意見，最後被集結成為一個展覽相關的形式，我們希望看得人願意發現以及接受的話，可以視其為一種禮物，這個展覽是為了給予這份禮物一個接受的位置。

21世紀少年──遊牧座標

2009 美術創作卓越獎-【】

2009-01-25T20:08:00.004+08:00

2009美術創作卓越獎-【】 / 湯凱鈞

命名的從缺

2009美術創作卓越獎事實上就是一個為美術學院學生所設置的獎項，這個獎項其實就是學院藝術的展現，當然，每一個獎項總有其限制之處，每一位評審所認定的好的藝術作品總有出入，因此獎項所代表的到底是學院藝術的宣稱還是僅僅反映評審們的藝術觀點，成為一個大家心照不宣的疑問。當大家在討論要為此次卓越獎展覽設定什麼共同的標題時，一句「要我們找出卓越獎的標題，那不是應該先去問問評審們為什麼會選這些作品？」，反映了美術卓越獎說穿了不過就是一個獎項，也點出了得獎作品所具有的差異性。雖然每件得獎藝術作品所表達的都是對於當下生活面貌的不同感知，但是因為作品彼此間的差異，訂定共同副標題是否會降低差異是應考慮的問題，加上卓越獎展覽代表著一個競賽類型的展覽而非策劃性展覽，若強加上一個共同的副標題反而會模糊了某些創作者欲傳達的訊息。因此在與得獎藝術家討論過後，我們去除了往年都會訂定的副標題，僅以美術創作卓越獎作為展覽標題，就是為了真實呈現卓越獎的競賽面貌以及將卓越獎展覽放回對作品的思考層次，擴大作品之間的自由對話與論述空間，甚至彼此詮釋，回歸展覽對於每件作品的基本觀照。
但展覽命名的從缺並不表示創作類得獎作品沒有傳遞出相似的特性，整個展覽所突顯的是創作者對於這個時代的感知與詮釋，這些觀點透過藝術家的個人語彙傳達出來，透露了屬於這個世界的真實樣貌。

藝術呈現的真實

這次卓越獎創作類得獎作品的共同特徵，即是創作者都在處理關於「真實」的問題，這些作品展現了藝術家對現實世界的真實感觸，儘管在參展人的創作論述中總不乏對於虛擬與真實的二分，或是將作品設定為自我內在幻想式的表達，但在這些作品中所呈現的卻是創作者認知的真實樣貌，這些作品在影像中創造藝術家自我認同的真實樣態，同時又反映現實世界中的某些狀態。當然，藝術所探討的總是關於「真實」的問題，藝術作品總是多少映照著現實世界的景象，創作者企圖在由大量影像佔據的當下世界中建構真實的片斷，他們在作品中描繪某個現實以外的世界形象，而這些形象經過創作者感知的轉化後生產出新的意義，透過意義的累積形塑出現實世界的真實樣態。事實上，虛擬與真實在藝術中絕非相對的概念，真實對於人來說從不存在著客觀標準，虛擬空間的發展改變了人對於真實的感知模式，使我們處在一個沒有絕對真實的情境之下，甚至我們必須在虛擬的空間當中去找尋所謂的真實感，而當我們面對藝術作品時，我們無法斷定藝術作品中展現的是真實還是虛幻的情境，因為作品所操作的，是在真實與虛幻之間遊走的情境，即藉由描繪或創造一個虛幻的場景來表達真實情景。當然，我所定義的真實是不同於現實環境的，真實是藝術家可以操縱與改變部分，是經過內心的轉化與思考的情景，是藝術家自我對外在世界的詮釋；而相對於真實的現實則是外在於藝術家的部份，必須靠著實際介入社會與行動才能改變。
張輝明的《雙鏡》、《角落系列》所揭示的是視覺的不確定性，兩件作品打破了平常人以視覺為主的感知形式，創造出失焦的視覺經驗，這樣的手法一方面表達了對於真實的不確定，另一方面又引發觀者對於真實進行再思考。牛俊強的《明信片》，試圖訴說人處在一種無法觸碰真實的符號系統中，又或者這些消費符號正一步步的構築出一個屬於當代的真實情境。
周代焌的《拯救世界完是餘興節目》、《餘興過後是拯救世界》所展現的是一種幻想經驗，儘管這些圖像是來自於虛擬的動漫世界，但卻反應當代人與動漫世界的緊密關聯;而對於卡漫社群而言，動畫中的世界可能比現實更加真實。一樣使用卡通符號做為創作語言是陳宏群的《消解在那之上》，陳宏群將卡漫符號以投影方式介入寫實繪畫空間，創造一個真實與虛擬並列的效果，奇怪的是，卡漫符號在這件作品中呈現出的卻是比寫實的磚頭、石版更加真實，顯現出那些一般人所認定的虛擬符號正慢慢成為現代人新的感知來源。陳敬元的《一切都是為了愛》、《千辛萬苦，終於與你相會》、《無論如何，我都願意與你飛翔》，將對日常的感知，透過寓言式的故事與漫畫語彙表達出來，呈現瘋狂的幻想，展現了自己所認為的真實世界，卻也透露出現實世界的種種荒謬性。
許尹齡的《肉眼差距》、《長壽俱樂部》、《愛的教育》，雖然是將人化為沒有感情物件的幻想，但同時卻揭露了當代世界殘酷面貌的真實，以及對現實的反抗。而廖祈羽的《搖阿搖》，操縱著人的欲望，創造出一個人對於他人身體掌控的欲望流動空間，與女性身體在社會意識下所處的真實狀態。

這些作品展現的是截然不同的真實面貌，作品影像所形構的是世界的現實樣態與創作者內心的真實，是藝術真實的表現；這種真實存在於藝術家將外在世界所引起的感知轉化為向自我內在世界的語彙，並藉由創作展現。儘管每位藝術家所認知的真實不盡相同，且有多種樣態，但彼此間又有種奇妙的互相連結。作品創造一個真實虛擬交雜的場域，描繪所見到的、所感覺的世界，而這個場域對於藝術家本身而言或許才是真實所在，換言之，這些藝術家將內心世界與想像表現在作品之中，企圖引發觀者對於真實世界的想像。

介入現實之中的藝術實踐

不同於創作類得獎作品著重於對現實世界的思考，策展計劃類得獎作品－陳豪毅的《標誌聯盟》(Tag Ally)，討論的是藝術實踐的現實問題，即藝術在現實世界中如何進行諸眾的再造和實驗，藝術活動如何產生一個平台，領導群眾做出社會實踐，他探討如何以標誌介入現實生活之中，展開一連串的藝術計畫與對話，以打開藝術實踐與社會參與的可能。因此相對於其他7位卓越獎得獎藝術家向內追求真實，《標誌聯盟》欲探討的是如何用藝術在現實中去創造一個新的發展。

將《標誌聯盟》以展中展形式展出，一來表示此展覽概念經由卓越獎評審機制選出，二來此展作品恰好與其他創作類作品形成對比，相較於其他作品，《標誌聯盟》中的藝術作品，以積極主動介入社會的方式，創造新的溝通平台，突顯了藝術與社會之間的關係，也將藝術與社會做了實際的連結。兩組截然不同的藝術作品在展場中相互映射與辯證，創造了一個相互對照的空間，打破一般展覽所追求的相同調性，給予觀者更大的思考空間。2009美術創作卓越獎在此兩組不同的展覽中，突顯了當代藝術發展的兩種面向，一是藝術在虛實交錯的空間中探討世界真實，二則是藝術介入現實之中，企圖引發改變社會的群眾力量，不過看似截然不同的兩種發展，其實皆源自藝術家或策展人對現實社會的想像，同時也刺激著觀者對於世界或未來的思考。

不過，雖然這樣的差距開啟了不同的想像，但也因為此差距更加突顯了卓越獎不可命名的情況，以及將美術競賽得獎作品於一個展覽中一同呈現下的非同一性狀態，卓越獎展覽，到底是一個競賽式的展覽，每件作品呈現出的不同面貌，也許能構築出學院藝術創作的部份真實，但也因為每件作品所關注的問題不同，觀者只能在這交錯的訊息中，藉由對每一件作品的觀看與思考，得出卓越獎展覽的真實面貌。

2009 美術卓越創作獎網站

我們的十九號房可以在Room 18中創造嗎？

2009-01-20T20:10:00.001+08:00

文/胡朝聖

乍看之下，「 ROOM19」像是個從夜店概念延伸而來的浪漫展覽，空間內有著夜生活慣常的目眩神迷與波西迷亞式的黑暗情調，在遙遠的（相較於夜店聚集的台北東區，「 ROOM19」的邊陲倒也突顯了藝術家在主流社會上的某種位置）關渡訴說著一群人的生活寫真。

在策展人吳達坤刻意營造的娛樂氛圍下，「 ROOM19」讓關渡美術館呈現了一種前所未有的空間精神，輕盈並帶有神祕特質，遊梭其中，不太像是看展覽，倒像是在夜店裡的真實感受，讓進入的人將觀看當成正當理由，進行偷窺，堂而皇之的闖入這十九間的私密套房、空寂的居屋；儘管看似歡娛熱鬧，美術館具大的空間裡卻散發著異樣的虛無與空蕩，此時展覽的氣氛在眼前更顯得孤寂，霓虹閃爍或杯觥交錯都成了一種幻象，如夜空中的星球那般遙遠，十九個房間有著十九個故事，卻都孤單。

「 ROOM19」展覽之源初概念來自於2007年獲頒諾貝爾文學獎的英國知名作家朵麗絲．萊辛（ Doris Lessing）的短篇小說「到十九號房」（to Room19），內容描述一名因結婚而步入家庭的職業婦女，在婚後的十多年間，孜孜矻矻於相夫教子，卻不知人生目標為何而逐漸喪失自我，最後選擇遁逃到旅館內19號房孤獨療傷，後來丈夫外遇的事件曝光，卻進一步加速了婦女逃離僅有的小天地而步入自殺以終結人生；策展人說：「萊辛的Room19是一個幽暗、孤獨甚且是逃避的空間，然而諷刺且巧合地，在現下的臺北，有一間名為Room18的人氣夜店，裡頭五光十色、笙歌達旦。相較於萊辛上世紀50年代的保守氛圍，現下的我們似乎多了更多選擇。而本展覽的主軸切入，即是談論：『在當代社會價值下，我們有幾間ROOM19？』」。

所以，一切就從房間開始；吳達坤在空間與氛圍的營造上，企圖從上述文學作品與夜生活兩種緣由做連結，藉由不同的時空差異，提出現代人在當代環境中所面臨的人生議題。儘管「到十九號房」（to Room19）和Room18與展覽「 ROOM19」概念之間的關連看來有些牽強，比方說十九號房跟十九間房間的關係為何？事實上小說裡的房間數應該是多過於此數目；而台北最火紅的夜店 Room18與其娛樂文化跟二十以及二十一世紀的存在主義議題又有為何會搭上線？但這樣看似無關的串連卻也創造了展覽本身的獨特質感，觀者像是進入到一個已被設計好的生命迷宮裡，在漆黑的十九間套房內，藉由看著他人的故事，找尋自己生命的房間。

從展場大多以新媒體藝術作為主軸的策劃概念下，可以想像策展人如何呼應夜店的歡樂、視覺聲光與互動氛圍，讓「 ROOM19」本身看來更像是夜生活的翻版，美術館空間經歷了奇妙的變身，甚至化身成為具有藝術特質的夜店，藝術圈的Room18，邀請的藝術家中確實有為數不少的作品環繞在夜生活的情境之中：凱比鳥＋YEN的【Dance Floor】以空間裝置、音樂、影像記錄現代年輕人夜晚的生活方式，呈現了特定族群的面貌，然而看似前衛的流浪生活，卻以被納入經典藝術形式的裝置方式再現，保守了些；王婉瑜【Wednesday Party】側拍都會男女在酒吧裡的眾生百態，少了一般人對於夜生活的負面刻版印象，反而有種朋友夜裡相互取暖與把酒言歡的溫馨感；同樣描繪夜店的情景，李小鏡的【叢林】則強烈表現出夜晚的慾望橫流，男女在慾望的叢林裡，化身為各種毒蛇猛獸，向最基本的生理需求進行獵食；儘管最初在夜店拍攝作品的陳永賢不討論夜生活，但作品在本展中卻發展出一種奇特的人間慾望；FBI LAB以及許素朱等藝術團體的【靈幻跳影】、【模因基流】以酒吧裡的空間裝置作為發想，展出兩件互動作品，遊戲性質頗高，但卻有種與其他作品議題與內容格格不入之感，反倒是像展覽中的道具。這些件作品在空間中的配置，瞬時將觀眾拉到夜生活的情境，以一種虛擬實境的方式，讓夜店再現於美術館之中，對於觀眾來說可謂是有趣的身體經驗，在美術館中看到夜晚的人生百態。

或許是為了遷就房間的概念和夜生活的緣故，策展人在部分作品的挑選與配置上，陷入了著重於空間與夜晚氛圍的對應思考，展覽題目原本可以針對特定，如慾望、墮落、幻想、權力、歡樂等的議題論述；或者也可以藉由作品去營造特定的議題氛圍，這樣可能更容易聚焦；也或者明確的說，專注於討論當代夜店文化不失為一個方向，可偏偏又不是，展覽本身卻一直使人不自主的從夜店的角度對號入座，而更大的方向指向陳志建與賴佩瑜媒體世界下的都市景觀、黃世傑超現實的有機生物世界、PTB黑夜裡的窺視雙眼與變裝下的身分滿足，再到田中功起與劉瀚之失眠的獨居眠床等，都將人拉到某種奇特的空間與時代氛圍裡，更不只是夜店文化所能延伸出來的。若再以更精確的作品挑選與空間配置出發，相信作品彼此之間會更有張力，並可凸顯出更為明確的深刻議題，雖然策展人強調這與夜店的關係真的只是純屬巧合。

「 ROOM19」從一個討論存在主義的概念出發，卻以夜店的形式發展成十九個房間的故事，在冷靜空蕩（非指觀賞人潮多寡而產生的感覺，意指展品之間以冷靜疏離的方式被配置而產生的整體空間感）的展場中，瀰漫著當代環境與都市人在忙碌的白天生活之外的黑夜景觀與另類心理風貌，正如策展論述所提及「『ROOM19』它所提供的身體經驗跟實踐場域在某程度下可以改變了我們的思維、感官、行為與生活方式，雙重意涵上緊扣環繞在一個龐大到溢滿的主軸— 「生活的虛無與面臨無聊社會道德壓迫之創造與自我價值追尋」」。而我們的十九號房在哪裡呢?它或許還真的有可能在Room18中發現或被創造，而夜，確實有太多的空缺值得我們去挖掘！

更多內容請見：Room 19 展覽網站

2008 關渡雙年展現場

2009-01-07T17:10:00.003+08:00

夢──2008 關渡雙年展網站

Let's go to 「ROOM 19」

2008-12-18T19:40:00.002+08:00

文/策展人吳達坤 Wu, Dar-Kuen

朵麗絲．萊辛（ Doris Lessing）寫了篇短篇小說叫「到十九號房」（to Room19）。描寫了一名職業婦女因為老公外遇而躲到旅館內19號房的故事；在這裡，19號房成為小說女主角生活上的逃逸之地，旅館的曖昧意象也讓她被世俗汙名化而走向另一結局。

萊辛的Room19是一個幽暗、孤獨甚且是逃避的空間，然而諷刺且巧合地，在現下的臺北，有一間名為Room18的人氣夜店，裡頭五光十色、笙歌達旦。相較於萊辛上世紀50年代的保守氛圍，現下的我們似乎多了更多選擇。而本展覽的主軸切入，即是談論：「在當代社會價值下，我們有幾間ROOM19？」

面對現實生活的諸多負面情緒，人都需要疏通的管道。如果藝術家幸運的可以將創作當成生活上的出口，但一般人呢？從政治學角度看來，如果歡樂（fun）可以是政治的，那麼夜店（night club）就是某種政治實踐的場域，成為都會叢林中令人短暫逃逸放鬆的聖堂。夜店也是其中選項，和小說中的旅館相同的，夜店也常被世俗價值貼上汙名標籤。相較於萊辛的19號房，本展的藝術家都幸運的擁有一個無形的ROOM。在這，你可以從1號房走到第19號房，任意打開一道無形的門，暫時讓腳步跟隨作品閱讀，窺見展閱那未竟的、私密的，天馬行空的ROOM19。這展覽本身是歡樂的，它不同於小說的結局。

「 ROOM19」它所提供的身體經驗跟實踐場域在某程度下可以改變了我們的思維、感官、行為與生活方式，雙重意涵上緊扣環繞在一個龐大到溢滿的主軸—「生活的虛無與面臨無聊社會道德壓迫之創造與自我價值追尋」。

Shake your Mind! 改變一下思維！一天有24小時，切割開白天，我們還有一大半的夜生活要過！因此，我們需要一個更具創造力的心態來面對自己的「ROOM19」。

至於夜店？那真的只是一個巧合。

“To Room Nineteen,” one of the short stories written by Doris Lessing, describes a career woman who stayed in a hotel room No. 19 after discovering her husband’s extramarital affairs. Room 19, to the protagonist, is a place where she can get away from her life. However, the ambiguous symbol of the hotel has attached a discredited label to her and the story came to the other ending.

Lessing’s Room 19 is a place with darkness, loneliness, and even a place to escape. Ironically and accidentally, in Taipei, there is a popular night club called Room 18 where a variety of entertainments are provided and singing and partying last for all night long. In contrast to 1950’s conservative atmosphere in Lessing’s time, people living at the present time have more choices. The focus of this exhibition is to discuss “how many Room 19 we have under the current social values?”

Faced with various negative emotions in our daily life, we need some ways to cope with our stresses. Artists are found lucky to create their works as an exit; however, how about ordinary people? In the view of politics, if fun can be compared to politics, then the night club is the place where politics can be demonstrated and the palace in the urban jungle where we can find temporary rests. The night club is one of the choices and is similar to the hotel in the short story which is disgracefully labeled. In comparison to Lessing’s Room Nineteen, artists of this exhibition are lucky to have their own invisible ROOM. In this exhibition, you can walk from Room 1 to Room 19 and open any invisible rooms as you wish. You can temporarily let works lead your footsteps to explore secretes and unconstraint styles of ROOM 19. This exhibition is thus joyful which is different from the ending of the short story.

To some extent, physical experiences and the space provided by ROOM 19 can change our thinking, feeling, behaviors and lifestyles. The double meaning closely connects to the focus of this exhibition: void of life, creation under social oppressions, and the pursuit of self-worth.

Shake your mind! Change your mind! We have 24 hours a day. Apart from the daytime, we have to live for the rest of night life. Therefore, we should adopt more creative attitudes to face our ROOM 19.

更多內容請見：Room 19 展覽網站

跨領域──未來的藝術先驅

2008-07-11T20:15:00.001+08:00

【參展創作團隊】

方彥翔 / 王福瑞 / 何璨紋 / 吳依凡 / 宋艾凌 / 林欣美 / 胡瑞真 / 范思琪 / 張　凌 / 張鳳詩 / 莊依琪 / 莊毅柔 / 許馥凡 / 陳長志 / 陳俊文 / 陳致宇 / 陶亞倫 / 程　頤 / 黃昕誼 / 黃博志 / 潘娉玉 / 蔡坤霖 / 鄭姬真 / 賴俊泓 /饒祗豪 / Mary Sherman / Yannick Franck

【展覽說明】

對瑪莉而言，跨領域合作不僅提供相互理解、分享思考與文化思絡實踐的機會，跨領域在世界與日漸增的連結效應下，同時也爭議性地被視為未來的潮流。

自5月11日至7月13日，關渡美術館駐館藝術家暨美國傅布萊爾獎助金資深專家授獎人－瑪莉．雪曼(Mary Sherman)，講授美國藝術史上跨領域的合作例子，並和北藝大師生共同合作，展現此次的跨領域成果展。五組來自不同領域與背景的藝術家成員們透過會議、工作坊、討論發想出作品。這個組成過程目標在於：延伸藝術家受限於身體孤立、特定地域與歷史的個人工作模式，並推展跨界作用以及自處於21世紀中對藝術的新思維。

在這過程中，不意外地引起如下的討論議題，也就是在這連結相對容易卻也困難的世界裡，對溝通的渴望；破碎又具渴求的意圖；對在越來越難發現宇宙真理的世界裡反映意義的意象探索。

因此，為了表達他們團體的構思，B組藝術家製作了一個孤立會響的電話亭，期待美術館觀眾能接起電話，建構與他們之間的連結。A組藝術家提供觀者看似是空白的框架，卻其實是可自行創造的移動式世界倒影。D組藝術家提供能反映自身慾望的天空。E組藝術家建構一個獨立物件永不能相遇，卻只能從交錯中的倒影連結的抽象舞蹈。而最後，C組藝術家用脫離現實的聲音，描述我們無條理的世界。於此，他們呈現辛苦工作的果實。

Introduction
For Mary Sherman, collaboration not only provides hands-on opportunities for understanding and sharing ideas and cultural mindsets, but collaborative work is arguably - as our world becomes increasingly interconnected - the wave of the future.

From May 11 to July 13, as an artist-in-residence at the Kuandu Museum of Fine Arts and Fulbright Senior Scholar, Ms. Sherman presented lectures on the history of collaboration in American art and worked with the Taipei National University of the Arts’ students and faculty to create this exhibition of collaborative art.Each work grew out of talks, workshops and meetings between the five teams of artists from diverse disciplines and backgrounds. The aim of the process was to expand the artist’s traditional studio practice beyond that of a physically isolated, geographically specific and historically limited enterprise in order to promote cross-fertilization, and new ways of thinking about art in the 21st century.

Not surprisingly some of the themes that arose from the process was a desire to communicate in a world in which connections are both easier and more difficult; a sense of fragmentation and longing; and quest for new images that reflect meaning in a world in which universal truths seems harder and harder to find.

Thus, to express their group's ideas, Team B has created a lone telephone booth that they will call, hoping the museum visitors will answer their ringing plea to connect to them. Team A has generously provided viewers with what seems to be blank frames; but in actuality are moveable reflections of worlds that we can create ourselves. Team D offers us the sky where we can project our own desires; Team E has constructed an abstracted choreography where the individual elements can never really meet, but only reflect one another in passing; and, finally, Team C describes our fragmented world through disembodied voices. The fruits of their labors are shown here.

KdMoFa跨領域藝術工作坊網站

“CO-Q” Young Taiwan Artists from Nobody Collection

2008-05-15T20:36:00.002+08:00

1997年打響YBA名號的展覽─“sensation”畫冊封面上有這麼一段文字：Young British Artists From The Saatchi Collection。當時透過沙奇(Saatchi)成功的炒作，讓一票英國年輕世代上了檯面，現在這已經是個“藝術的故事”。2008年一顆巨大的草莓口味果凍空降台北當代館（果凍世代 The Gelatin Age），在正值中國政治圖像泡沫化的時間點上，策展人張晴以社會學的角度封包一票1980前後出生的年輕世代，以果凍名之，來到台灣。2003年台灣藝術圈開始討論年輕世代的問題，以“喃喃自語”(muttering)名之，並且到目前都還是關注年輕世代的顯著命題。

然而讓我困惑的是，真正喃喃自語的似乎是一整個藝術圈，我們好像已經討論過了許多東西，呼籲用藝術關心政治之餘也不忘批判年輕頓挫(Frustration)，但除了一貫的批判邏輯之外，我們的“年輕世代”(Young Age)究竟留下了什麼東西？

“Young Taiwan Artist From Nobody Collection” 便是呼應著在這塊貧瘠的土地，在這場我們說什麼都難逃無效的窘境，在這個很悶的藝術圈裡面，唯有透過妄想才可能投射出一絲絲----在政治/喃喃的制式批判底下、在畫廊收編與創作自由的落差底下---還尚能讓年輕世代呼息與創造的間隙，生長著台灣的學術與商場都無法保固的個體想像與藝術自由度。

我以身為被指稱作年輕世代的一員，策劃一個展覽，給出一個世代自我發聲的勾引，CO-Q無法代表台灣的年輕世代，但它至少不再是上一代給出的名字。

(文/蘇育賢)

參展藝術家：

王仲堃、江忠倫、吳思嶔、林岱璇、林慶芳、陳宛伶、陳萬仁、黃彥穎、黃海欣、黃雅惠、黃嘉寧、劉千瑋、劉智信、蘇育賢（姓氏筆畫排序）

Introduction

“ Young British Artists From The Saatchi Collection” – there is a line written on the cover of Sensation, an exhibition that made YBA well known at 1997.
A group of young artists were noticed through the Saatchi’s over-hype issue, and it is a “history of art” nowadays. A giant strawberry jelly, The Gelatin Age, fell on MOCA in 2008, at the time of China Politic Image bubble. A group of Chinese young artists born in 1980s was named as “Jelly” sociologically by Zhang Qing, the curator of this exhibition. The art field people in Taiwan has started to discuss the issue of young age and named it “muttering” since 2003. Until recently, people just care about the name but not the action.

However, what makes me confused is that the art filed just mutters. We have talked a lot issues and appealed people to critic the young frustration beside the politic and art. Whatever we left behind the Young Age except the critical logic?

“Young Taiwan Artist From Nobody Collection” responds to the exhausted land and the plight that we can’t escape whatever we say. In this boring art filed, mirage is the only way to wrest minute space for young age to breath and create under the critical system of politic and muttering, and the difference between the gallery business and freedom of creature. Academia and business can’t assure both the freedom and image of art that exist in the space.

To be a member of Young Age, I must induce a calling for my generation by planning an exhibition. CO-Q can’t stand for the young age in Taiwan, at least it is not a name from the elder generation!

(By/Su, Sam)

永恆的成人遊戲工廠──讓街道、工廠、臥室等日常生活重回美術館的策略

2008-05-09T20:37:00.001+08:00

全球化創意競爭生態是問題關鍵嗎？消費性的群聚與生產性的群聚一樣嗎？
也和「藝術的治理」有關，重新思考「藝術人─創意人」的「疏離與群聚」的必要性。

　　藝術展場已經越來越像非常全球化的時尚旗艦店。它的邏輯就是把國際上所有具強烈立即吸引力的東西巧妙地、很設計感地擺放在一起。我們看到不光是城市變成了全球化的消費樂園，藝術展覽也變成了全球化的消費的樂園。當大眾消費樂園的邏輯全面地擠壓了必須具有地域特徵、時代特徵的作品的研發與創造的文化生產時，那就必須創造另一種全面的互補陣線。這不是一個敵對陣線而是互補陣線。

　　我認為一九九八─二０００年之際是一個台灣當代藝術發展的分水嶺，九八年之前是藝術直接取材料於社會，並且也立即投身社會與社會底層直接對話。九八年的台北市立美術館的台北雙年展《欲望場域》，將整個美術館變成了一個混合型的大商圈，一方面保有很強烈的與社會底層的關係，另一方面藝術展覽已經和商業空間的氛圍非常接近。到了二０００年的台北雙年展《無法無天》，展場已經非常像全球化的大超級市場，作品以專櫃商品的擺放方式來經營符號之間的意義。接下來在台北的很多展覽，我們逐漸看到沒有主題、沒有場所脈絡的主題策展。這種展覽就像一個琳瑯滿目的商場，它的邏輯就是把國際上所有具強烈立即吸引力的東西巧妙地、很設計感地擺放在一起。我們看到了藝術展覽變成了消費的樂園，名牌在這個時候其實是很重要的，因為這是人潮的保證。

　　當大眾消費樂園的邏輯全面地擠壓了必須具有地域特徵、時代特徵的作品的研發與創造的時候，那就必須創造另一種互補的陣線。這個陣線曾經在華山藝文特區被建構起來，也在藝術文化改造協會撤出華山經營經的時候讓另一種陣線逐漸地茁壯，將來華山藝文特區將不是一個原創藝術的遊戲工廠，而是一個以呈現文化創意產業商品為主的櫥窗聚落。在文化創意商品的旁邊或是之前必須有一個在地與全球混合的遊戲工廠，必須有一個暫時忘記商業邏輯的藝術遊戲工廠，必須有一個暫時擺脫老成世故的還老返童的成人遊戲工廠。

　　這個展覽不過是將這種工廠的機制，再搬回到已經逐漸變成消費樂園的美術館之中，按照這個展覽的副標題，這個展覽有將廚房、臥室、工作室、花園、工廠、街道、廣場、市集、小雜貨商再搬回到美術館的企圖，將日常生活的創造與生產再搬回美術館的企圖。首先，要將美術館裝扮成荒蕪的商場街道。

　　永恆的成人遊戲工廠，用相互介入、滲透、合作的工作坊方式來策劃展覽，看起來似乎很複雜或是有點做作，其實它不過是在模擬社會被集體地建造、改造的複雜過程，或許還包括了偶發甚至是週期性的破壞。不管是文化創意產業，或是純藝術的生態，都需要大量運作良好的對話、相互介入、以及合作的平台。在一個全球規模的競爭舞台上，城市成為消費樂園之同時，必須同時是一個創意的遊戲工廠。

虛擬的遊戲交流創意平台：sly10.url.tw

　　展覽前完成專用部落格，將任何已經生產出來的東西陳列於上面，隨時增補，並歡迎一起建構。出版展覽專書，以新樂園先前的活動及相關論述為主，並簡介這個展覽的最後的已知狀況。在展覽之後將出版光碟，其內容為佈展、開幕以及之後的四次再佈展、座談、介入式跨領域表演，以及已經生產的論述為主。展覽的專用部落格將持續提供後續的生產以及對話的平台。

實體的遊戲交流創意平台：5/9-6/29 北藝大關渡美術館

　　將展場空間視為具有多層地平面的廢墟空間，房子已經拆除只剩下道路以及建築聚落的痕跡。不同的藝術家在這廢墟上，使用生活現成物以及個人創作的重要元素，在這上面創作以及相互介入。

　　藝術家均為新樂園成員，從成立以來，進進出出的成員超過百人。並非由策展人選藝術家，而是展前透過數次包括文件、電話、當面溝通，逐漸確定參展的藝術家，以及確定參加互動對話建構的態度、遊戲規則、以及運用的材料、符號、行為等等。並在展前半個月透過現場對話確立局部元素的位置，這些位置只不過是展開的複數元起點或是網路的節點。從這些起點將啟動各式各樣的發展、交織、修訂、轉移、建構、解構等的過程。

　　徵求願意進入展場中還在變動中的作品整體進行對話的跨領域藝術團體，策展單位將提供主要策展理念，以及隨時增加的具題材料及具體的想法，以便該團體確定主要的參與方式以及內容。

　　從佈展到開幕，只是第一個階段，之後藝術家分別在5/17、5/24、6/7、6/21的上午9時至14時之間進入展場繼續進行四次的改變，並在14時至16時之間邀請跨領域的朋友針對新的狀態做發想以及討論。並在之後邀請不同的跨領域或生活藝術的團體，與現有的展出以及環境作對話。

◎開幕介入演出 5/10 (六) 3:00 pm
《歌德浮士德》北藝大戲劇學院師生，導演鴻鴻
《心理遊戲》鄧倢伃、蝦爸，指導王福瑞
KbN凱比鳥

◎成人跨界對話遊戲 5/17、5/24、6/7、6/21

5/17遊戲．Part Ⅰ
跨領域對談：14:00-16:00pm
林宏璋(國立臺北藝術大學美術系專任副教授)
王墨林(身體氣象館負責人)
顏忠賢(實踐大學建築設計學系專任副教授)
展演溜出界：16:00-17:00pm
《尾獸》軟建築STUDIO，顏忠賢

5/24遊戲．Part Ⅱ
跨領域對談：14:00-16:00pm
黃建宏(國立台南藝術大學造型藝術研究所專任助理教授)
龔卓軍(台南藝術大學藝術創作理論研究所博士班所長)
展演溜出界：16:00-17:00pm
《愛麗絲夢遊．工廠》娃娃攝影創作募集，郭心嵐、殷亞蘭，報名詳見sly10.url.tw

6/7遊戲．Part Ⅲ
跨領域對談：14:00-16:00pm
孫瑞穗(國立台灣藝術大學文創產業學程教師)
胡朝聖(獨立策展人)
吳忠良(身聲演繹劇場藝術總監)
展演溜出界：16:00-17:00pm
身聲演繹劇場

6/21遊戲．Part Ⅳ
跨領域對談：14:00-16:00pm
李思賢（藝評人、獨立策展人)
阮慶岳（實踐大學建築設計學系專任副教授）
符宏征（動見体劇團負責人）
展演溜出界：16:00-17:00pm
《巫師無重力詩篇》符宏征與動見体劇團

永恆的成人遊戲工廠展覽網站

場景‧Scene

2008-05-02T20:42:00.001+08:00

日本藝術家牛島光太郎運用文字敘說進行裝置創作，他以營造出來的場景呈現故事，但他避免形成構造故事的意圖，因此故事沒有發展的絕對方向也沒有結局的設定。他選擇日常生活中不著邊際的場景、景色、事件，並與之產生聯結，發展成故事的形態。牛島的作品自2003年以來即以完成的順序命名，如：「場景-1」、「場景-2」、「場景-3」…，至2008年已發展至「場景-35」。他期望以這些場景作為找尋他自己，以及連結外界的線索，並能對他人產生意義。

牛島光太郎於關渡美術館的駐館期間（2008/4/8-5/18）將延續其「場景-35」的製作，並以台灣的素材作為他創作日記範本的原素。

Scene

The Japanese artist Ushijima Koutarou creates his works based on the narrative texts within his installation. He presents stories by setting up the scenery but avoids the intention of trying to construct a story. Therefore, the story goes nowhere and has no specific ending. Ushijima picked the rambling scenes and events from everyday life around him and tried to make connection with them then to develop a story in his installations. From 2003,Ushijima started to entitle his works in order of completion as “Scene- 1”,”Scene- 2”, “Scene -3”,,,,and now is approaching “Scene- 35” in 2008. He expects that these scenes can be the clues of finding himself and as well of connecting to the outer world and finally can produce meaning to the others.

Ushijima will continue his production of “Scene -35” during his stay in the Kuandu Museum of Fine art (2008/4/8-5/18) and will take the local materials as the creative elements in his diary in Taiwan.